​CLAIRE ​​MESNIL 

Die in Straßburg geborene Künstlerin Claire Mesnil durchlief an der École Nationale Supérieure des Beaux-Art (ENSBA) ein klassisches Studium der Bildenden Künste mit Schwerpunkt Ölmalerei, Pastell und Freihandzeichnen. Da ihre Eltern darauf bestanden, neben der “brotlosen Kunst“ ein „normales“ Studium zu absolvieren, schrieb sie sich parallel für Philosophie und Kunstgeschichte ein. In kürzest möglicher Zeit absolvierte sie Studium und Promotion.

Aus den ersten Jahren nach Akademie und Universität sind viele Zeichnungen und Ölstudien erhalten, die die Auseinandersetzung der jungen Künstlerin mit gegenständlicher und abstrakter Formgebung dokumentieren. Die Farbigkeit dieser Arbeiten schwankt zwischen fast monochrom dunklen, eher plakativen Arbeiten und Studien in expressiver buntleuchtender Farbigkeit, die das Motiv formunabhängig darstellen.

Die junge Künstlerin entwickelte ihre Bildsprache anfangs linear, mit Präzision, während bei den später entstandenen Werken eine allmähliche Loslösung der motivgebundenen Farbgebung einsetzt, ein Vortasten in Nachbarbereiche. Es findet noch keine vollständige autonome Farbgebung statt, ebenfalls entsteht noch keine Loslösung der Form. 

„Ich hatte das Gefühl, ich bräuchte eine Art neues Fundament. So als müsse ich erst von Grund auf, diesmal ganz für mich selbst, die Technik ergründen, ohne dass mir jemand von außen reinredet. Studiert hatte ich, was mir andere vorgaben  Das war auch sehr gut und hat mir viel gegeben, aber in all dem hatte ich verlernt, mich selbst wahrzunehmen: Was ich wollte, wo ich überhaupt stand und vor allem, wo ich hin wollte. Ich wusste das einfach nicht. Wenn mich jemand danach gefragt hätte, ich hätte nicht gewusst, was ich sagen sollte.“

In der künstlerischen Entwicklung Mesnils zeigt sich das vermeintliche Paradoxon, daß mit zunehmend zeitlicher Distanz zum Studium, sie immer mehr zu einer technisch akademischen Malweise zurückkehrt und sich ihr über einen längeren Zeitraum mehr verpflichtet fühlt, als das je in ihren Studienjahren der Fall war.

Das stilistisch vielfältige Werk der Künstlerin gibt Zeugnis von den Bildwelten, in denen sich ihre Entwicklung vollzog. In ihren Werken vereint sie scheinbar nicht zusammengehörige Realitätsebenen. Es ist eine kunstvolle Verflechtung von Paradoxien, gepaart mit einem verfeinerten Irrealismus, der sich zwischen Realismus und Surrealismus bewegt. Der Stimmungswert dieser Bilder ist eine mentale Collage von Dingen, die eigentlich nicht zusammen gehören und gerade deshalb auch Irritationen hervorrufen.

Es sind aus dem Alltagsleben gegriffene Sujets. Ihre Inspirationsquelle sind Dächer, Antennen, urbane Welten, die Mechanismen der Industriegesellschaft, die Insignien der Moderne.

Im  Mittelpunkt des Interesses der Malerin stand bis etwa 2012 das Zentral-Thema Mensch, Frau, Natur. Stilistisch werden ihre Werke bis zu diesem Zeitpunkt dem Neo Retro und der City Art zugeordnet. Sie war eine der ersten Künstlerinnen in Europa, die diesen Ansatz und diese Vorgehensweise mit ihren Werken in der Bildenden Kunst manifestiert.

Seit 2013 zeigen die Arbeiten im Bildsujet gegenüber der früheren Geschlossenheit im Narrativen mit dem Menschen als Mittelpunkt eine atmosphärische Öffnung zu fast surreal anmutenden Stimmungsträgern. Es sind Motive, in denen der Mensch mittelbar auf seine Spuren reduziert und zitiert wird. Daher treten Figuren zunehmend in den Hintergrund oder tauchen gar nicht mehr auf. Das Motiv beschreibende Figurative tritt vermehrt zugunsten einer neuen Konzentration auf Kontrast und Flächenstrukturen zurück. In der weiteren Entwicklung wird die Figur immer mehr reduziert, um nur noch als figuratives Kürzel zu erscheinen oder ganz zu verschwinden. Stattdessen rücken nun urbane und rurale, sehr ausschnitthafte Motive in den Vordergrund.

In dieser Stilinterpretation der sog. Licht- und Raum-Figurative (Conceptual Luminarismus) gibt die Form einem verstärkten Luminarismus Raum bei nach wie vor narrativer Verdichtung des Motivs. Manches wird verhüllt, tritt de facto verunklärt in den Hintergrund, entzieht sich bewusst der dezidierten Motivaussage. Der Raum in seiner Unbestimmtheit wirkt nun stärker als zuvor im Gesamtmotiv mit wird Geheimnisträger. Manche fast surreal anmutenden Bildobjekte werden wie normale Alltagsverortungen der Realität behandelt, wodurch die Bildsprache eine völlig neue Spannung und Dimension gewinnt.

In dieser stilistischen neuen Freiheit handhabt Claire Mesnil die Öl-Maltechnik in einem zunehmend breiteren Spannungsbogen zwischen akademischer Tradition – hierfür steht die ausgefeilte Lasurtechnik in mehreren Schichten ebenso wie die Gewichtung der Komposition nach dem Goldenen Schnitt – und freier Integration form- und farbautonomer Akzente, sowohl Motiv stützend, als auch Motiv verunklärend. Das Ikonographische wird dadurch spannungsreich zunehmend aus seinem bislang realitätsgebundenen Kontext gelöst. Diese neu hinzu gewonnenen Wahrnehmungsebenen zeigen dem Betrachter in vermeintlich vertrauten Welten nicht nur das, was ist, sondern das, was sein kann.

„Dieses eine gibt es, das stärker sein kann als die Realität, das ist die Kraft der Imagination. Aus ihr kommen positiv Sehnsucht, Hoffnung, Glaube und Liebe. Ein besseres Ziel als diese Kraft auch mit der Kunst auszuloten, gibt es nicht für mich.“ 

​

Köln, Januar 2016

​

©Helga-Isabella Lorentz, Kunsthistorikerin

Alle Rechte vorbehalten